Magie aus Licht und Zeit – Eine Hommage an meinen Stil

Manchmal führt uns die Fotografie zurück zu den Wurzeln, zu dem, was uns ursprünglich inspiriert hat. Diese Serie von Bildern ist für mich eine solche Rückkehr – und ein Zeugnis der Techniken, die ich während meiner Ausbildung gelernt habe. Die Kombination aus Langzeitbelichtung, experimentellem Licht und gezieltem Einsatz von Blitz ist für mich nicht nur ein Werkzeug, sondern ein Ausdruck meiner Kreativität und Leidenschaft.

Ich kann mich noch gut erinnern, wie ich das erste Mal mit diesen Techniken experimentiert habe. Es war ein Spiel aus Neugier, Geduld und einem Hauch von Magie. Mit jedem Versuch wurde die Idee klarer, die Bilder lebendiger. Heute, viele Jahre später, blicke ich auf diese Arbeiten mit Stolz zurück – und auf die Reise, die mich dorthin geführt hat.

Technik trifft auf Ausdruck

Was diese Bilder für mich so besonders macht, ist die Verbindung zwischen Technik und Emotion. Die Langzeitbelichtung ermöglicht es, Bewegung und Zeit in einer einzigen Aufnahme zu vereinen. Der Blitz – oft begleitet von einer Softbox, um das Licht sanft und stimmungsvoll zu gestalten – gibt den Motiven Tiefe und Präsenz. Doch nicht immer ist ein Studioblitz nötig. Oft reicht ein einfacher entfesselter Blitz, also ein Aufsteckblitz, der mit einem Fernauslöser gesteuert wird. Diese Technik ist flexibel, platzsparend und eröffnet spannende kreative Möglichkeiten, auch außerhalb eines Studios.

Kreativität ohne Grenzen

Diese Technik hat mir auch in schwierigen Zeiten geholfen (Coronapandemie), als Modelle schwer zu finden waren. Ich habe gelernt, mich selbst zu vervielfältigen, Lichtspuren zu zeichnen und mit der Dynamik von Bewegung zu spielen. Es fühlte sich an wie Zauberei – und genau das brachte mir später den Spitznamen „Photonenhexe“ ein. Ein Titel, den ich mit Stolz trage, denn er repräsentiert nicht nur meine Technik, sondern auch meine Art, mit Licht und Schatten zu malen.

Eine meiner liebsten Kombinationen ist die Technik der Langzeitbelichtung mit Lichtmalerei. Dabei „malt“ man buchstäblich mit Licht während der Belichtungszeit. Dazu können Taschenlampen, LEDs oder sogar ungewöhnlichere Lichtquellen wie brennende Spraydosen verwendet werden. Auf einem der Bilder in dieser Serie habe ich genau das gemacht: Mit einer Spraydose habe ich Feuerflammen erzeugt, die wie Flügel hinter meinem Motiv emporlodern. Diese Technik erfordert Kreativität, Präzision und – bei Feuer – natürlich auch Vorsicht. Das Ergebnis ist jedoch spektakulär und gibt den Bildern eine ganz eigene, dramatische Wirkung.

Und so entwickelte ich die Liebe zu den Photonen. ich wollte mehr machen, das „Game hacken“. Und da ich keine Esoterikerin bin, sondern Handwerkerin die sich mit Physik auskennen sollte, wurde die Photonenhexe geboren.

Fotografie versus Ethik?

Fotografie ist ein kraftvolles Medium, das Geschichten erzählt, Emotionen einfängt und – in manchen Fällen – auch eine politische Botschaft übermittelt. In der Geschichte der Fotografie gibt es wenige Figuren, die dieses Spannungsfeld so eindrucksvoll verkörpern wie Lee Miller und Leni Riefenstahl. Während Miller die Schrecken des Zweiten Weltkriegs dokumentierte und damit die Welt auf die Gräuel des Holocausts aufmerksam machte, wurde Riefenstahl zur wohl bekanntesten Propagandistin des Nazi-Regimes und nutzte ihre Kunst, um eine Ideologie der Unterdrückung zu glorifizieren. Die Gegenüberstellung dieser beiden Frauen zeigt, dass Fotografie niemals nur eine neutrale Abbildung der Realität ist – sie ist ein mächtiges Werkzeug, das ethische Entscheidungen verlangt und Verantwortung mit sich bringt.

Lee Miller: Die Wahrheit im Fokus

Lee Miller begann ihre Karriere als Model und Muse, bevor sie sich entschloss, hinter die Kamera zu treten. In den 1940er Jahren wurde sie von der „Vogue“ als Modefotografin engagiert und 1942 als Kriegsberichterstatterin akkreditiert. Ihre Bilder vom London Blitz, der Invasion der Alliierten sowie die Befreiung der Konzentrationslager Buchenwald und Dachau zählen zu den wichtigsten Bilddokumenten des Zweiten Weltkrieges. Diese Aufnahmen schockierten die Welt und zeigten schonungslos das Ausmaß der nationalsozialistischen Verbrechen. Ihr ikonisches Bild, in dem sie im Badezimmer von Hitlers Wohnung sitzt, symbolisiert ihren kompromisslosen Zugang zur Wahrheit – Miller zeigte die Absurdität und das menschliche Gesicht hinter der Propaganda.

Millers Arbeit ist ein Paradebeispiel für die ethische Verantwortung, die Fotograf*innen tragen, wenn sie Ereignisse dokumentieren. Sie hielt nicht nur die Fakten fest, sondern brachte das menschliche Leid auf eine Weise zum Ausdruck, die ihre Zuschauer tief berührte. Für sie war es wichtig, das wahre Gesicht des Krieges zu zeigen und die Opfer nicht als gesichtslose Masse darzustellen, sondern als Individuen mit eigener Geschichte und Würde. Trotzdem wurde Millers Arbeit oft nicht mit dem Respekt behandelt, den sie verdiente. Nach dem Krieg geriet sie weitgehend in Vergessenheit, und ihre Fotografien wurden erst posthum wiederentdeckt und gewürdigt. Das zeigt, wie schwer es Frauen in dieser Zeit oft hatten, Anerkennung für ihre Arbeit zu finden, besonders wenn sie sich in männerdominierten Bereichen bewegten.

Leni Riefenstahl: Kunst oder Propaganda?

Im Gegensatz dazu steht Leni Riefenstahl, deren Arbeiten bis heute umstritten sind. Als Filmemacherin und Fotografin des Nazi-Regimes schuf sie ikonische Werke wie „Triumph des Willens“ und „Olympia“, die ästhetisch und technisch bahnbrechend waren, aber auch eine perfide politische Botschaft transportierten. Riefenstahls Filme und Fotografien idealisierten die Nazi-Ideologie und trugen zur Glorifizierung des Regimes bei. Sie erschuf ein Bild der „arischen“ Überlegenheit und machte den Körperkult und die martialische Ästhetik der Nazis populär.

Riefenstahl behauptete später, sie habe sich nicht politisch engagiert und nur im Interesse der Kunst gearbeitet. Doch ich teile die Meinung der Kritiker*innen, die sie als eine eiskalte Opportunistin betrachten. Sie stellte ihre Kunst wissentlich in den Dienst eines verbrecherischen Regimes und profitierte persönlich von ihrer Nähe zur Macht. Diese Form von Karrierismus und moralischer Kälte zeigt für mich auf beängstigende Weise die „Banalität des Bösen“, wie es Hannah Arendt ausdrückte. Riefenstahl ist für mich ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie sich Menschen mit talentierter Kunst für schreckliche Zwecke instrumentalisieren lassen, solange sie dadurch Macht und Erfolg erlangen können. Meine Haltung gegen den Nationalsozialismus und alles, was er repräsentiert, könnte nicht deutlicher sein: Für mich bleibt ihre Kunst untrennbar mit den Verbrechen verbunden, die sie unterstützte.

Es ist schlichtweg ungerecht, dass eine Frau wie Riefenstahl, die sich bewusst dem Nazi-Regime unterwarf, nach dem Krieg weiter Karriere machen konnte und in der Gesellschaft Respekt erlangte. Ganz im Gegenteil zu Miller, die den Mut hatte, die brutale Realität des Krieges festzuhalten. Diese Ironie ist für mich eine bittere Lektion über die Mechanismen der Macht und den Einfluss des Kapitalismus: Riefenstahl, die sich für das Regime der Nazis instrumentalisierte, konnte weiter gedeihen, während Millers bedeutende Arbeiten jahrzehntelang im Schatten blieben.

Fazit: Die Macht der Fotografie und die Pflicht zur Reflexion

Die Werke von Lee Miller und Leni Riefenstahl zeigen, wie unterschiedlich Fotografie eingesetzt werden kann – zur Aufklärung oder zur Täuschung. Während Miller mit ihren Bildern die Welt auf die Schrecken des Krieges aufmerksam machte und eine nachhaltige Erinnerungskultur schuf, nutzte Riefenstahl die Fotografie und den Film, um eine menschenverachtende Ideologie zu ästhetisieren. Diese beiden Frauen stehen für zwei gegensätzliche Seiten der Fotografiegeschichte: Wahrheit und Lüge, Aufklärung und Manipulation, Mitgefühl und Kälte.

Fotografie ist ein machtvolles Medium, das die Fähigkeit besitzt, unsere Sicht auf die Welt zu formen. Doch mit dieser Macht geht auch die Pflicht zur Reflexion einher. Fotograf*innen müssen sich ihrer ethischen Verantwortung bewusst sein und überlegen, wie sie ihre Kunst einsetzen. Die Gegenüberstellung von Lee Miller und Leni Riefenstahl ist ein eindrucksvolles Beispiel dafür, dass Fotografie niemals nur Abbildung ist – sie ist ein Ausdruck von Werten und Überzeugungen, die entweder zur Wahrheit oder zur Täuschung beitragen können.

Für mich als Fotografin ist es wichtig, diese Verantwortung ernst zu nehmen und bewusst zu reflektieren, wie ich meine Arbeit einsetze. Fotografie ist mehr als nur ein Bild – sie ist ein Statement, und sie hat die Macht, Wahrheiten zu zeigen oder zu verzerren. Miller und Riefenstahl erinnern uns daran, wie entscheidend es ist, diese Macht mit Bedacht zu nutzen.

In einer Welt, die zunehmend von künstlicher Intelligenz und automatisierter Technologie geprägt ist, fragen sich viele Menschen, ob traditionelle Berufe wie die Fotografie in Gefahr sind, durch Maschinen ersetzt zu werden. Besonders im Bereich der kreativen Künste hat KI in den letzten Jahren beeindruckende Fortschritte gemacht. KI-Tools sind mittlerweile in der Lage, Bilder zu generieren, die auf den ersten Blick perfekt und ästhetisch ansprechend wirken. Dennoch gibt es zahlreiche Gründe, warum Fotograf*innen auch in einer technologisch fortgeschrittenen Welt unersetzlich bleiben – und warum ich mir als Fotografin keine Sorge machen muss, von KI verdrängt zu werden.

(Dieses Bild wurde Übrigens mit Dall:E, einer KI, erstellt!)

Warum Fotograf*innen auch in Zeiten von KI unersetzlich bleiben

• Das Einfangen von Seele und Authentizität: Fotografie ist mehr als nur das Erstellen eines Bildes – es geht darum, einen einzigartigen Moment einzufangen und eine Geschichte zu erzählen. In der Zusammenarbeit zwischen Fotografin und Modell entsteht eine besondere Energie, die sich in den Bildern widerspiegelt. Dieses Zusammenspiel aus Emotion, Ausdruck und Authentizität kann keine Maschine replizieren. Eine KI kann die äußere Erscheinung eines Menschen erkennen und nachahmen, doch das, was zwischen zwei Menschen passiert, das Vertrauensverhältnis und das intuitive Gespür für den Moment – das bleibt rein menschlich.
• Kreativität, die einzigartig ist: Ein großer Teil meiner Arbeit besteht im kreativen Schaffen. Kreativität ist nicht nur technisches Wissen über die Kamera oder die Bildbearbeitung – es ist ein endloser Fluss von Inspiration und individuellem Ausdruck, den ich in jedes Shooting einfließen lasse. Die Motive, die ich festhalte, sind nicht das Ergebnis eines Algorithmus, sondern das Zusammenspiel von Umgebungen, Geschichten und den Menschen, die mich inspirieren.
• Die Kraft der Improvisation: Jedes Fotoshooting ist anders, und nicht alles verläuft nach Plan. Mal ist das Licht anders als erwartet, oder die Stimmung verändert sich. Es gibt spontane, kleine Momente, die ein Shooting besonders machen – ein Lachen, eine unerwartete Pose, ein Lichtspiel. Genau das kann kein Algorithmus vorausplanen oder berechnen.
• Empathie und Intuition im Umgang mit Menschen: Eine gute Fotografin braucht mehr als technisches Können; sie muss ein Gefühl für Menschen haben. Gerade bei persönlichen oder intimen Shootings ist es entscheidend, dass sich das Modell wohlfühlt. Dafür braucht es Empathie, Geduld und Fingerspitzengefühl. KI kann nur schwer eine solche Verbindung herstellen. Maschinen mögen Details erkennen, aber sie können nicht „fühlen“, was den Moment besonders macht.
• Der menschliche Touch in der Bildbearbeitung: Die Nachbearbeitung ist für mich ein wichtiger Teil des kreativen Prozesses. Klar, es gibt KI-Filter und automatisierte Tools, die Bilder bearbeiten können, aber ich habe das Gefühl, dass ein Bild erst dann wirklich „lebt“, wenn ich es mit meinem eigenen Auge sehe und bearbeite. Keine KI kann diesen menschlichen Touch vollständig ersetzen, weil sie keine eigene künstlerische Intuition besitzt.
• Individualität und Einzigartigkeit: In einer Zeit, in der alles zunehmend standardisiert wird, ist es unersetzlich, etwas Einzigartiges zu schaffen. Jedes meiner Shootings ist speziell auf die Person zugeschnitten, die ich fotografiere. KI-basierte Bilder wirken oft unpersönlich, weil sie sich nicht auf die individuellen Feinheiten eines Menschen einlassen können. Meine Arbeit hingegen ist immer darauf ausgelegt, die Besonderheiten und individuellen Eigenschaften sichtbar zu machen.
• Fotografie und KI als Ergänzung: Statt Fotografie und KI als Konkurrenten zu betrachten, gibt es auch Wege, in denen sie sich ergänzen können. KI kann nützlich sein, um einige technische oder zeitaufwendige Aufgaben zu übernehmen, wie das schnelle Erstellen von Grundbildern oder das Optimieren bestimmter technischer Aspekte der Bildbearbeitung. Doch die kreative Leitung und der persönliche Touch bleiben weiterhin in den Händen der Fotograf*innen. KI kann helfen, die Arbeit effizienter zu gestalten und Raum für das wirklich Kreative zu lassen. So lässt sich das Beste aus beiden Welten nutzen, ohne dass dabei der menschliche Aspekt verloren geht.

Warum Fotograf*innen auch in der Zukunft noch cool sein werden

Fotograf*innen sind Geschichtenerzähler, Lichtgestalter und kreative Visionär*innen. In meiner Arbeit geht es darum, die Welt aus einzigartigen Perspektiven zu betrachten und diese Sichtweisen mit anderen zu teilen. Ich helfe Menschen, sich selbst neu zu entdecken und Augenblicke festzuhalten, die ihnen später viel bedeuten werden. Gerade in Zeiten von KI wird die Fotografie wichtiger denn je, um die menschliche Verbindung und Authentizität zu bewahren.

Es ist großartig, Fotografin zu sein, weil ich Momente einfangen kann, die emotional berühren und mehr sind als nur eine technische Aufnahme. Menschen suchen nach echten Verbindungen, nach Bildern, die ihnen eine neue Sicht auf sich selbst geben. Das kann nur ein Mensch für einen anderen Menschen tun.

Fazit: Die Zukunft der Fotografie bleibt menschlich

Auch wenn KI beeindruckende Fortschritte gemacht hat, wird sie die Fotografie nie vollständig ersetzen. Die Verbindung zwischen Fotografin und Modell, die spontanen Interaktionen und das Einfühlungsvermögen sind unersetzbare Bestandteile meiner Arbeit. Das ist es, was die Arbeit von Fotograf*innen einzigartig macht.

Für mich ist es ein Privileg, Menschen in ihrer Einzigartigkeit darzustellen und ihnen zu helfen, sich selbst zu sehen und zu feiern. Die Zukunft der Fotografie wird immer einen Platz für echte Menschen haben, die Kreativität und Empathie in ihre Arbeit einbringen. Fotograf*innen bleiben also auch in der Zukunft cool – und ich freue mich darauf, weiterhin echte Momente festzuhalten!